Histoire 2nde - exposé Renaissance

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l'Antiquité. Au Moyen-Âge, les monuments étaient utilisés comme carrières de pierres et les statues païennes oubliées jusqu'au XVe siècle durant lequel ces monuments deviennent protégés tandis que les statues gréco-romaines deviennent l'objet d'un marché florissant. De plus, les humanistes redécouvrent les textes théoriques sur l'art de Platon, Aristote et l'auteur romain Vitruve comme De L'architecture en 1416. Quand l'art du Moyen-Âge tirait sont inspiration de la Bible, la vie des saints ou encore des romans de chevalerie, l'art de la Renaissance s'inspire des histoires de la mythologie gréco-romaine et des légendes des textes antiques d'Hésiode, d'Homère, de Virgile et d'Ovide qui sont des sources inépuisables. La Renaissance artistique naît en Italie dès le XIIIe-XIVe siècle, notamment à Florence et à Rome, avant de se diffuser en Europe où certains pays comme la France ont créé leur propre style à partir des influences italiennes. Pour les artistes comme pour les philosophes humanistes, le voyage en Italie est nécessaire à une bonne formation : ils prennent des leçons de beauté devant les monuments romains redécouverts (statues, textes), et étudient, copient et diffusent les modèles classiques trouvés dans des sites de fouilles antiques (Rome) qui inspirent toute une génération d'artistes. Mais, au-delà des similarités formelles qu'il inspire à la Renaissance, l'art classique réconcilie aussi le christianisme et la culture païenne. II- Le renouveau dans l'art Le texte théorique de Vitruve De L'architecture découvert en 1416 présentant les principes de solidité, d'utilité et de beauté dans l'architecture a inspiré l'humaniste italien Léon Alberti qui a rédigé le premier traité d'architecture de la Renaissance. Dans celui- ci, il oppose une définition de la beauté fondée sur l'harmonie des proportions. L'architecture renaissante préfère les lignes horizontales et recherche l'harmonie des volumes en opposition au style médiéval gothique. L' innovation la plus précoce et la plus remarquable de la Renaissance sur le plan architectural est la coupole du Duomo de la cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence réalisée par Brunelleschi. La peinture comme la sculpture connaît une ouverture dans ses thèmes auxquels s'ajoutent des thèmes plus laïques comme les paysages et la piéta dans la sculpture avec une rupture de la pensée médiévale et l'assujettissement à Dieu, et une représentation du corps avec le nu qui devient une des formes artistiques les plus accomplies, et du mouvement cherchant à imiter le maniérisme des statues antiques. Peintres et sculpteurs retranscrivent singulièrement l'influence des classiques et tentent d'affirmer désormais leurs visions et leurs aspirations à travers leurs œuvres tout en cherchant l'épanouissement de leur propre expression. La Renaissance artistique succède à l'esthétique médiévale, dont il remet en cause les codes. Cette nouvelle forme de culture se caractérise par le regard porté sur l'Antiquité qui tend à la restauration d'une grandeur passée, à la recherche de la leçon antique. La Renaissance est caractérisé par une redécouverte de l'idéal artistique de l'Antiquité et installe de nombreux fondements de la pensée moderne et de l'histoire de l'art. III- Un renouvellement des techniques et des formes I- Une nouvelle manière de représenter l'individu En reprenant le canon, une règle de proportionnalité appliquée à la figure et au corps de l'homme et déterminant le type idéal de la perfection physique, décrite par l'architecte romain Vitruve en -15 av. J-C, dans son ouvrage De architectura ("au sujet de l'architecture"), les artistes de la Renaissance, représentent un corps aux proportions équilibrées, à la différence des corps allongés de l'esthétique médiévale. La définition de Vitruve de l'homme vitruvien, sera d'ailleurs réactualisée vers 1490 par Léonard de Vinci avec son célèbre dessin présentant le un corps humain possédant les proportions idéales parfaitement inscrit dans un cercle, avec au centre, le nombril et un carré, avec au centre, les organes génitaux. Dès lors, ces rapports de proportions sont devenus une règle essentielle à respecter en art. Les représentations de nus, telles que l'on pouvait en trouver pendant l'Antiquité, reviennent, en rupture avec le Moyen Âge. Pour les artiste, le corps idéal est un reflet de la perfection divine. Les statues antiques redécouvertes offrent un modèle d'expression des sentiments humains à travers les mouvements du corps. Des artistes comme Michel Ange s'en inspire. En effet, celui-ci a réalisé entre 1501 et 1504, une sculpture représentant David, célèbre personnage de la Bible ayant combattu le géant Goliath, en attachant beaucoup d'importance aux détails anatomiques, en faisant ressortir ses veines et les moindres détails de ses muscles. II- De nouvelles techniques artistiques Les artistes inventent aussi des techniques de représentation complétement nouvelles, fondées sur les sciences. Dans son traité De Pictura (De la peinture), Léon Alberti, poète, architecte, musicien, philosophe, peintre et sculpteur italien, utilise les lois de l'optique pour conférer à un tableau l'illusion de la profondeur : c'est la perspective linéaire inventée en 1416 par l'architecte Filippo Brunelleschi. Pour la produire il faut placer un point de fuite (point où se rassemblent les lignes fuyantes) au niveau de la ligne d'horizon (ligne imaginaire qui correspond à la hauteur du regard). Toutes les lignes qui partent vers le fond convergent vers le point de fuite : ce sont les lignes fuyantes. Dans la réalité les lignes qui convergent sont parallèles. Par contre les traits horizontaux et verticaux restent tels qu'ils sont. La taille des objets diminuent par rapport à la profondeur. Cette manière de représenter le monde de manière géométriquement exacte va devenir l'une des lois fondamentales de l'«<art nouveau»> du Quattrocento. En 1427, La Trinité est la première fresque incluant ce procédé. Elle est peinte par Masaccio dans la basilique Santa Maria Novella de Florence. Pour de nombreux experts, c'est Brunelleschi lui-même qui serait le concepteur du plan perspectif de cette œuvre. A la suite de Masaccio, tous les grands peintres de la Renaissance utilisèrent cette découverte dans leurs réalisations. Une autre invention venue de Flandre, se généralise dans toute l'Europe : la peinture à l'huile. Utilisée d'abord par le peintre flamand Jan Van Eyck (vers 1390-1441), cette technique consiste à lier les pigments broyés avec des huiles grasses (lin, noix) pour garantir un plus bel éclat des couleurs. Elle remplace la tempera, une technique de peinture à l'eau très ancienne, utilisée durant le Moyen Âge, utilisant le jaune d'œuf, émulsion naturelle, ou l'œuf entier comme médium pour lier les pigments sur du plâtre ou sur des panneaux de bois recouverts de nombreuses couches de gesso, enduit à base de colle de collagène et de carbonate de calcium dans le nord de l'Europe, ou sulfate de calcium dans le sud de l'Europe. IV-Un nouveau statut de l'artiste Pendant la Renaissance italienne, l'image du peintre a été façonnée par de grands artistes comme Léonard de Vinci, Michel Ange dont l'influence sur les artistes contemporains était tellement grande qu'elle a dépassé ce qui a précédé, de même pour les théoriciens tels que Castiglione, Dante Ghiberti, Cennini et Alberti qui placent << le pouvoir créateur de l'esprit humain » au coeur de la culturehumaniste. On peut retenir une date: -1571: Côme de Médicis décrète que tous peintres et sculpteur Florentin doivent appartenir à une corporation De même, 3 personnages sont significatifs de la transformation du statut des artistes en occident : -Albrecht Dürer affirme la «< valeur ajouté >>. -Nicolas Poussin, grand artiste et peintre (qui subissait de sa célébrité et est obligé de fuir ses commanditaires). Ex de ses peintures: Les bergers d'Arcarie, inspiré des Bucoliques du poète Virgile Sa richesse de composition fait que ses tableaux sont appréciés. -Pierre Paul Rubens pour l'importance prise par la vie sociale et intellectuelle, autour de l'artiste désormais concurrente de l'œuvre elle- même Il faisait aussi des tableaux sur des sujets religieux. Il était aussi soupçonné de sympathie pour le calvinisme. Au Moyen Âge, l'artiste est un artisan qui exerce une activité manuelle réglementée par une corporation. Pendant la Renaissance, il acquiert un nouveau rôle. A partir du XVe siècle, il s'affirme en apposant sa signature au bas de la toile peinte. Certains peintres se représentent dans le tableau (comme Botticelli dans l'Adoration des mages) ou réalisent des autoportraits comme Albrecht Dürer. Le peintre n'est plus un artisan anonyme mais un artiste reconnu et recherché. Les artistes obtiennent une reconnaissance nouvelle : ils sont désormais perçus comme des créateurs intellectuels. Ils développent leurs talents dans de nombreux domaines, comme la sculpture, l'architecture, la technique et les sciences : on peut prendre l'exemple de Léonard de Vinci qui était à la fois ingénieur, architecte et anatomiste. Les grands seigneurs de la Renaissance sont des mécènes, des personnes qui protègent des artistes et leur commandent des oeuvres : ils mettent leur argent et leur pouvoir au service des artistes qu'ils protègent. La péninsule italienne est le principal foyer de la Renaissance artistique : Les Sforza, famille romagnole de premier plan de la Renaissance, à Milan, les familles marchandes vénitiennes, et de nombreuses villes italiennes, participent à ce mouvement. Les villes italiennes sont des États indépendants et sont en concurrence dans de nombreux domaines, ce qui favorisent considérablement le mécénat et la création artistique. Le fait d'être entouré de nombreux artistes et de soutenir la création d'oeuvres d'art majeures permet aux mécènes de conforter leur prestige. En effet, les peintres étant sous leurs protection les représentent dans des portraits avec les membres de leurs familles. Par exemple, Boticelli a peint un célèbre portrait posthume dans lequel il représente le frère de son mécène, Julien de Médicis. A Florence, la ville dominant les débuts de la Renaissance, Laurent de Médicis, dit le Magnifique, s'entoure des plus grand artistes de son temps comme Sandro Botticelli ou Léonard de Vinci. A Rome, les papes deviennent aussi d'important mécènes et accueillent Raphaël et Michel-Ange . D'autres régions d'Europe représentent des foyers de la Renaissance, notamment en Europe du Nord et en France. En Flandre, des peintres tels que Jan Van Eyck, qui a pour mécène Philippe le Bon, duc de Bourgogne, et Pierre Bruelgel deviennent des artistes reconnus et dans les territoires de langue allemande, on retrouve des artistes comme Hans Holbein et Albrecht Dürer. En France, le roi, François Ier fait venir à la cour de nombreux artistes tels que Léonard de Vinci et des architectes italiens, Le Rosso puis Primatice à qui il laisse le soin de décorer son château de Fontainebleau pour en faire une vitrine de la Renaissance. Il fait construire de nombreux châteaux notamment les châteaux de la Loire. V- Conclusion De nombreux artistes, tels que Michel-Ange ou Léonard de Vinci, aujourd'hui encore, laissent leur emprunte et de nombreuses œuvres exposées partout dans le monde restent une source d'inspiration importante. L'intensité des mouvements de cette période (l'utilisation de nouvelles sources d'inspiration, de nouvelles techniques et formes et un nouveau statut des artistes) en font une époque si particulière qu'elle modifie le rapport de l'Homme à son histoire. Dans la Divine Comédie de Dante, Ulysse proclame la devise des temps nouveaux : << vous ne fûtes pas faits pour vivre comme des bêtes/mais pour suivre vertu et connaissance. »> Cette citation exprime bien ce qu'est la renaissance à savoir une étude du passé pour vivre paisiblement en construisant un avenir plus sûr.